NOTA: puede ver la historia en español abajo del inglés.

by Stephanie Schneiderman (adapted from her blog)

Cultural appropriation is a loaded and complex concept. Given the power of social media much discussion is generated, especially when a designer integrates elements deemed to be cultural patrimony into his/her designs.  Global influence on the world of fashion is not new, and should come as no surprise given the beauty and depth of material culture in dress and textiles from many countries. Cuisine, too, has been adopted in cultures they don’t come from. For this, we are enriched and are lucky! Because Wikipedia has done such a good job of discussing cultural appropriation, I am going to borrow from their contribution to the conversation. This is edited, so for more go straight to the source: Wikipedia on Cultural Appropriation

“Cultural appropriation is a concept dealing with the adoption of the elements of a minority culture by members of the dominant culture. It is distinguished from equal cultural exchange due to the presence of a colonial element and imbalance of power. Particularly in the 21st century, cultural appropriation is often portrayed as harmful and is claimed to be a violation of the collective intellectual property rights of the originating, minority cultures, notably indigenous cultures and those who are or were under colonial rule. Often unavoidable when multiple cultures come together, cultural appropriation can include using other cultures’ cultural and religious traditions, fashion, symbols, language, songs, and more.

Some writers on the topic note that the concept is often misunderstood and that charges of “cultural appropriation” are at times misapplied to situations that don’t accurately fit, such as eating food from a variety of cultures or learning about different cultures. Commentators who criticize the concept say that the act of cultural appropriation does not meaningfully constitute a social harm, and that the term lacks conceptual coherence. Some maintain the use of the term appropriated is unnecessarily loaded, and that the term unfairly demonizes well-meaning people who have been labelled as “cultural appropriators”.

Cultural appropriation can involve the use of ideas, symbols, artifacts, or other aspects of human-made visual or non-visual culture. Anthropologists study the various processes of cultural borrowing as part of cultural evolution and contact between different cultures.

We can see that the concept of Cultural Appropriation is complex. Cultures and societies have traded, been influenced by, evolved, borrowed and adopted, since the beginning of time. Each case needs to be considered for intent, power relationships, economics, respect, among many other facets. This leads to a less ambiguous and more tangible concept: plagiarism.

From: Plagiarism.org

“Many people think of plagiarism as copying another’s work or borrowing someone else’s original ideas. But terms like “copying” and “borrowing” can disguise the seriousness of the offense.

According to the Merriam-Webster online dictionary, to “plagiarize” means:

• to steal and pass off (the ideas or words of another) as one’s own
• to use (another’s production) without crediting the source
• to commit literary theft
• to present as new and original an idea or product derived from an existing source

In other words, plagiarism is an act of fraud. It involves both stealing someone else’s work and lying about it afterward.”

Why it matters

Once we recognize plagiarism, we can ask, Why does it matter? Who gets hurt, who benefits, who loses, why is it wrong and why is it a problem? There are numerous reasons why plagiarism matters and why it is a good idea to be able to recognize it. Recognition can help inform our actions, decisions, purchases, denouncing of rip-offs, and showing respect for a people and culture. If we recognize that a community or ethnic group is being copied by a large corporation, designer, etc., we can choose to not purchase these items, even though they look very appealing and beautiful. These looks do not exist in a vacuum or come from no-where. They are informed by world cultures. This is where “influence” vs. “copying” become relevant and important. In the case of Mexico, a culture that is steeped in creative expression, rich in cultural and ethnographic iconography, designs are often copied. There are well-known cases, a few presented here.

The Case of Tlahuitoltepec, Oaxaca

A very public and flagrant case, brought to light by singer-now- Oaxacan Senator Susana Harp, was the copy of the Santa Maria Tlahuitoltepec (Tlahui) blouse design and style by a French designer. Harp, on a visit to Texas, entered a high-end department store and was shocked to see what looked just like the “Tlahui” blusa on the racks. She recognized it because she’s from Oaxaca. She posted it to social media, it went viral, and became the “case” for blatant plagiarism of specific cultural expressions by the fashion world. As the Mixe people were not mentioned, recognized, or remunerated from the “ripped-off” design, there was an outcry and a series of legal actions initiated by the community to protect their design.

 

The Case of San Juan Bautista Tlacoatzintepec, Oaxaca

The Case of Anthropologie and Pottery Barn (and MANY others), copying traditional Otomi Designs

Perhaps no design of Mexico has been more plagiarized than the Otomi designs from the Sierra Oriental of Hidalgo, known as “Tenangos”. These designs are well known for their beautiful embroidery of flowers, people and animals, believed to be inspired by the shaman (curanderos) from the communities. Given the charm of these drawings and embroideries, they are ideal targets for imitation. Printed dresses from Anthropologie (a big and habitual offender), and “Made in China” pillows in “Otomi Designs” were being sold in Pottery Barn. (Given public pressure, they were taken off the shelves). These designs are seen printed on plates, dishes, table cloths, and on and on and on.

Travel Can Help

While we cannot and should not travel NOW, travel provides curious travelers the opportunity to visit first-hand, meet the weavers, embroiderers, and authors of the works, see the designs and traditional dress that are being copied. It offers the opportunity to experience and absorb the cultural and natural context of place and people. Following these intercultural visits, travelers have a greater ability to recognize original creations, their designs and iconography. Knowing the original helps contribute to recognizing the imitation. Furthermore, the original is always better than the fake. It looks better, feels better, and it means so much more having travelled to the cultural and natural environment, into the homes and workshops of the artisans. And of course, the most tangible and an important benefit, is that the money goes directly to the artisans. This money often represents the only or most of the household income. Why would anyone want a copy after having the opportunity to see, admire, learn about, and purchase the real thing?

Creating cultural understanding and deep admiration for the creative energy and artistic talent of people around the world, not to mention establishing real friendships, is a big part of cultural and sustainable travel.

For more information on the case of the Otomi designs of the famed “Tenangos” that has been and is SO flagrant and prolific, see my blog and also a shorter version of the story in the next WARP newsletter.

Stephanie Schneiderman lives in Ann Arbor, Michigan, but spends a lot of time in Mexico with her textile friends. Under the name Tia Stephanie (Aunt Stephanie) she has led many cultural tours in Mexico, Guatemala, and Colombia – and will again as soon as it is safe to travel.

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El Plagio y el Poder de Viajar

Por Stephanie Schneiderman (adaptado de su blog)

Apropiación Cultural es un concepto muy complejo. Por el poder de los medios sociales hay bastante conversación generada, especialmente cuando un diseñador integra elementos considerados parte de patrimonio cultural en sus diseños. Influencia global en el mundo de la moda no es nueva, y no debería ser una sorpresa cuando toma en cuenta la belleza y profundidad de material cultural en traje y textiles de muchos países. Comidas, también, ha estado adoptada en culturas de las que no vienen. ¡Y qué suerte tenemos y enriquecidas somos! Por el buen trabajo de presentar la idea de apropiación cultural que ha hecho Wikipedia, voy a prestar información de su contribución a la conversación. Esta es una parte pequeña de lo que dice, entonces para más consulte: Apropiación Cultural en Wikipedia. (La versión en español no es exactamente igual a la en inglés, pero las ideas sí.)

“Apropiación cultural es un concepto que habla de la adopción de los elementos de una cultura minoritaria por miembros de una cultura dominante. Se distingue de intercambio cultural debido a la presencia de un elemento colonial y desequilibrio de poder. Especialmente en el siglo 21, apropiación cultural frecuentemente es retratada como dañina y se reclama que es una violación de los derechos de la propiedad intelectual colectiva de los originarios, las culturas minoritarias, notablemente culturas indígenas y los que fueron o están debajo de imperio colonial. Frecuentemente inevitable cuando varias culturas se juntan, apropiación cultural puede incluir usando las tradiciones culturales y religiosas, de la moda, símbolos, lenguaje, canciones, y más de una cultura por la otra.

Algunos escritores notan que el concepto puede ser malentendido y que los cargos de apropiación cultural a veces están aplicados en una manera equivocada, a situaciones que no cabe precisamente, por ejemplo comer comida de una variedad de culturas o aprender de culturas diferentes. Comentadores quienes critican el concepto dicen que el acto de apropiación no daña a nadie en una manera importante, que el término carece de coherencia conceptual. Algunos dicen que el uso del término es sobrecargado innecesariamente, y que demoniza injustamente a las personas con buenas intenciones etiquetadas “apropiadores culturales”.

Apropiación cultural puede involucrar el uso de ideas, símbolos, artefactos, u otros aspectos de una cultura humana visual o no-visual. Los antropólogos estudian los varios procesos de prestaciones culturales como parte de la evolución cultural y contacto entre culturas diferentes.”

Entonces podemos ver que el concepto de Apropiación Cultural es complejo. Culturas y sociedades han intercambiado, evolucionado, prestado, adoptado, y sido influenciadas por otras desde el principio del tiempo. Cada caso necesita ser considerado por intención, poder en relaciones, la situación económica, y respeto, entre muchas otras facetas. Esto nos mueve hacia un concepto menos ambiguo y más tangible: el plagio.

De: Plagiarism.org (sólo inglés)

Muchas personas piensan en el plagio como copiar el trabajo de alguien otro o prestar ideas originales de alguien. Pero términos como “copiar” y “prestar” puede disfrazar cuán seria es la ofensa.

De acuerdo al diccionario en línea de Merriam-Webster, la palabra plagio significa:

• Robar y pretender que las ideas o palabras de alguien otro son de uno mismo
• Usar la producción de alguien otro sin dar crédito a la fuente original
• Cometer un robo literario
• Presentar como nuevo y original una idea o producto derivado de un fuente ya existente

En otras palabras, el plagio es un acta de fraude. Involucra las dos cosas, robar el trabajo de alguien y mentir sobre el robo después.

Porque Importa

Después que reconocemos el plagio, podemos preguntar, ¿Por qué importa? ¿Quién está dañado, a quién beneficia, quién pierde, por qué es incorrecto, y por qué es un problema? Hay razones numerosas por qué el plagio importa, y por qué es una buena idea  poder reconocerlo. Reconocimiento puede ayudar a informar nuestras acciones, decisiones, compras, denuncias de robos, y evidencia de respeto para un grupo de personas y su cultura. Si reconocemos que una comunidad o grupo étnico está siendo copiado por una corporación grande, un diseñador, etc., podemos escoger no comprar estos artículos, aunque parecen muy atractivos y hermosos. Su aspecto no existe en el vacío, o viene de ningún lugar. Son informados por culturas mundiales. Esto es donde “influencia” vs. “copia” son relevantes e importantes. En el caso de México, una cultura empapada en expresión creativa, rica en la iconografía cultural y etnográfica, diseños son copiados frecuentemente. Hay casos legales bien conocidos. Presento unos acá.

El Caso de Tlahuitoltepec, Oaxaca

Un caso muy público y flagrante llegó a la luz por la cantante-ahora-Senadora de Oaxaca Susana Harp, fue la copia del diseño y estilo de una blusa de Santa María Tlahuitoltepec (Tlahui) por un diseñador francés. Harp, en una visita a Texas, EEUU, entró un almacén grande y de lujo y tenía el golpe de ver lo que apareció como la blusa de Tlahui en venta. La reconoció porque ella es de Oaxaca. Ella la puso en medios sociales y se volvió viral, y en fin era la base del caso del plagio de expresión cultural  específica por el mundo de la moda. Como la gente Mixe no fue mencionada, reconocida, ni pagada en ninguna manera por el diseño robado, fue un grito fuerte y una serie de acciones legales iniciados por la comunidad para proteger sus diseños.

El Caso de San Juan Bautista Tlacoatzintepec, Oaxaca

El Caso de Anthropologie y Pottery Barn (y muchas otras tiendas) copiando diseños tradicionales de los Otomi

Quizás no diseño de México ha estado más victima del plagio que los diseños Otomi de la Sierra Oriental de Hidalgo, conocidos como Tenangos. Estos diseños son bien conocidos por su bordado de flores, personas, y animales, los cuales se cree son inspirados por los curanderos de las comunidades. Dado el encanto de estos dibujos y bordados, son blancos ideales para imitación. Vestidos impresos de Anthropologie (una empresa grande infractora habitual) y almohadas “Hecho en China” con Diseños Otomi fueron vendidos en el Pottery Barn. (Debido a presión del público las quitaron de sus tiendas.) Estos diseños están usados en platos, trastos, manteles, y  sigue y sigue y sigue.

Viajar Puede Ayudar

Mientras que no debemos ni podemos viajar AHORA, viajar provee a viajeros curiosos la oportunidad de visitar en primera mano, conocer los tejedores, bordadores, y autores de los trabajos, ver los diseños y traje tradicional que son copiados. Ofrece la oportunidad de experimentar y absorber el contexto natural y cultural de lugar y pueblo. Después de estas visitas interculturales, los viajeros tienen una habilidad expandida a reconocer las creaciones originales, sus diseños e iconografía. Conocer el original contribuye para reconocer las imitaciones. Además, el original siempre es mejor que el falso. Tiene mejor apariencia, se siente mejor, y es más significativo por haber viajado a la cultura y ambiente natural, a los hogares y talleres de los artesanos. ¿Por qué alguien querría una copia después de tener la oportunidad de ver, admirar, aprender, y comprar la verdadera pieza?

Crear entendimiento cultural y admiración profunda para la energía creativa y talento artístico de la gente de todo el mundo, y también establecer amistades, es una gran parte de viajes culturales y sostenibles.

Para leer más sobre el caso de los diseños Otomi de los famosos Tenangos que ha estado y todavía es bastante flagrante y ofensivo, puede ver mi blog (en inglés) y también una versión más breve en el próximo boletín informativo de WARP.

Stephanie Schneiderman vive en Ann Arbor, Michigan, pero pasa mucho de su tiempo con sus amigos textileros en México. Bajo del nombre Tía Stephanie, ella ha guiado muchos tours culturales en México, Guatemala, y Colombia – y va a seguir en el momento que es seguro viajar.

 

     Above: Sita Devi Karna of the Janakpur Women’s Development Center (JWDC), Nepal, at the Santa Fe International Folk Art Market. Photo by Bob Smith.

By Deborah Chandler

NOTA: puede ver la historia en español abajo del inglés.

Remember four years ago when then Secretary of State John Kerry spoke at the Alliance for Artisan Enterprise Forum and informed the world that if it were a country, artisan production would be the fourth largest country in the world from an economic standpoint? Fourth in the world! How clearly does that spell out the importance of the artisan projects with which WARP members work? Another clue – this article in Forbes Magazine: Tapping the Potential of the Artisan Economy – Forbes We’re talking big business here, and now more than ever, a key to the survival of many people in the new world order we are about to build.

A major player in the world-wide artisan sector has been the International Folk Art Market. Held in Santa Fe, NM every July, since its start in 2004 IFAM has brought over 1,000 artisans from over 100 countries to come and show their work – and sell it. Tally so far – over $34 million sold. The impact on indigenous and other communities large and small in those 100 countries has been tremendous, making possible clean drinking water, education for girls, improved health care, and more – and not to be ignored, supporting their folk art traditions, a life-blood of their cultures. This opportunity for sales has been of monumental support to these communities, in many cases their biggest source of income all year. It was no surprise that when the WARP Annual Meeting was held to coincide with IFAM in 2016 it was one of the most well-attended meetings ever. Many WARP members volunteered at the Market, and many new friendships were forged.

Enter COVID-19 worldwide and as with nearly all other events of any size, this year’s Market has been canceled. Add to that the screeching halt to tourism everywhere, many artisans’ other primary source of sales, and suddenly our artisan friends are in deep trouble. No local sales, no international sales – does not leave much. But as we have always been taught, Necessity is the Mother of Invention, and one thing that has opened up is tremendous creativity.

Like many others, the folks at IFAM have decided they are not going down without a fight. A fight so effective, in fact, that it would be safe to say they are not going down at all, just changing venues. On the same dates as the Market would have been, Sunday July 5 – Friday July 10, IFAM is generating an on-line experience of itself, with opportunities to buy folk art at auction, daily lectures by and about artisans and their situations worldwide, and a big party, a Friday night Gala that will be the crowning event. It’s free to attend, but of course donations are encouraged – say, the amount you are saving by not going to Santa Fe, for instance. (Or less.)

Just seeing what is offered in the way of folk art is worth making the effort to sign up – which you can do for free. In addition, if you are into learning, talks will be given: Monday –  Anita Reddy of India, the founder of Development of Weavers and Rural Artisans in Kalamkari Art; Tuesday – webinar with a panel made up of Li Edelkoort, Philip Fimmano, and Keith Recker (see below for details); Wednesday – Mexican Weaver Porfirio Gutierrez; Thursday – a group presentation by IFAM Board Member and Fashion Designer Peter Speliopoulos, Creative Director at Salvatore Ferragamo Paul Andrews, and founder of Kind Craft Lauren Lancy; and finally on Friday – Artist Rashmi Bhart of Avani Earthcraft of India. Most of those talks are free also, but one has a cost because it is a fundraiser.

To get more information on the IFAM Virtual One World Gala and Auction, go to the IFAM website: https://folkartmarket.org/. Or to jump right in and sign up, go here: IFAM Registration. This may be one of the best uses of the internet any of us is making, for our own benefit and that of hundreds of artisans world-wide.

Here is a more complete look at just one event that will be part of the IFAM week of wonders.

On July 7, join us for an inspiring webinar and fundraiser for the International Folk Art Market. Hosted by IFAM Board Member Philip Fimmano and IFAM’s Creative Director Keith Recker, this webinar will tell the stories of several remarkable artisans from around the world. Li Edelkoort, 2017 IFAM Honorary Chair, will join the panel to share her vision of how contemporary design can be inspired by the emotion and magic of craft before presenting her 2020 forecast for fashion and textiles in an inspiring 30-minute audiovisual that celebrates humanity’s cultural connections.

SPEAKERS

LI EDELKOORT is one of the world’s most respected cultural forecasters, working in industries from design and fashion to architecture, food, and lifestyle. Founded in 1986, her company Trend Union produces design and color tools for strategists and creatives alike. She is also a magazine publisher, a champion for craft, a design educator, and an exhibition curator. In 2015 her much-talked about ANTI-FASHION Manifesto was the first to raise awareness about the shifts and upheavals currently experienced in the global fashion industry, calling for a total overhaul of the system. She is currently Dean of Hybrid Studies at Parsons School of Design where she has founded a Masters in Textiles, merging craft and tech for a sustainable future. Her work as an agent for change culminated in the founding of the World Hope Forum in 2020 as a platform to inspire the creative community to rebuild a better society. Social media tags: @lidewijedelkoort @worldhopeforum

PHILIP FIMMANO is a design consultant, curator, and writer, contributing to Trend Union’s forecasting books, magazines, and strategic studies for international firms working in fashion, interiors, and lifestyle. With company partner Lidewij Edelkoort, he has co-created exhibitions for museums and cultural institutions around the world. In 2011 he co-founded Talking Textiles, an ongoing initiative to promote awareness and innovation in textiles through touring exhibitions, a trend publication, a design prize, and free educational programs – including New York Textile Month, a citywide festival celebrating textile creativity each September. Fimmano teaches a forecasting master’s degree at Polimoda (International Institute of Fashion Design and Marketing) in Florence and is also on the board of directors for the International Folk Art Market. Social media tag: @philipfimmano

KEITH RECKER is the Creative Director of the International Folk Art Market. He currently consults in trend and color forecasting for Pantone and has a highly specialized color consulting practice called Chromosapien. His background includes being VP of Home Furnishings at Bloomingdale’s Direct and the Director of Folio Home at Saks Fifth Avenue. Working at the grassroots end of color as well, he gives workshops to artisan groups like [WARP member] Multicolores in Guatemala. Founder of Hand/Eye Magazine, his new book True Colors, a Thrums Books publication, celebrates artists all over the world who create color from natural materials and makes a case for the historical importance and environmental sustainability of this practice. Social media tag: @thechromosapien

 

 

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IFAM – La Fiesta Más Grande de Todas

Autor: Deborah Chandler

¿Recuerda hace cuatro años cuando el entonces Ministerio de Relaciones Exteriores de EEUU John Kerry habló en el Foro de Alianza de Iniciativa Artesanal y les informó que si fuera un país, la producción de artesanía sería la cuarta economía la más grande del mundo? ¡Cuarta en el mundo! ¿Cuál tan claro podría decir la importancia de los proyectos de artesanos con que trabajan los miembros de WARP? Otra pista – este artículo en la revista FORBES – Tapping the Potential of the Artisan Economy – Forbes (Utilizando el Potencial de la Economía Artesanal). Estamos hablando de negocio grande, importante, y ahora más que nunca, clave para la sobrevivencia de mucha gente en el nuevo orden del mundo que estamos al punto de construir.

Un jugador importante en el sector artesano del mundo ha sido el Mercado Internacional de Arte Folklórico en Santa Fe, Nuevo México, EEUU cada julio. Desde su principio en 2004 IFAM (sus siglas en inglés) ha traído más que 1,000 artesanos de más de 100 países para venir y mostrar su trabajo – y venderlo. Total por el momento – más de $34 millones vendidos. El impacto en comunidades indígenas y otras grandes y pequeñas en aquellos 100 países ha sido tremendo, ayudando a proveer agua potable, educación para niñas, mejor cuidado de salud, y más – y también muy importante, apoyando sus tradiciones de artesanía folklórica, parte de la sangre de vida para las culturas.  Esta oportunidad de ventas ha sido un apoyo monumental para las comunidades, en muchos casos su fuente de ingresos más grande de todo el año. No era una sorpresa que cuando la Reunión Anual de WARP se realizó para coincidir con IFAM en 2016 era una de las reuniones mejor asistida de todas. Muchos miembros de WARP trabajaron como voluntarios en el Mercado, y se formaron muchos nuevos amistades.

Entra COVID-19 al mundo y como casi todos los eventos, el Mercado de 2020 fue cancelado. Añada a esta situación el frenazo de turismo en todos lados, la otra fuente de ingresos principal de muchos artesanos, y de repente nuestros amigos artesanos están en problemas serios. Sin ventas locales, sin ventas internacionales – no deja mucho. Pero como siempre nos han enseñado, La Necesidad es la Madre de la Invención, y una cosa que ha abierto es una tremenda creatividad.

Como muchos otros, la gente de IFAM ha decidido que no va a caer sin luchar. Una lucha tan efectiva que de hecho podría decirse que no va a caer para nada, solo está cambiando la manera de promover la feria. En las mismas fechas que iba estar el Mercado, domingo 5 de julio  – viernes 10 de julio, IFAM va a generar el Mercado en línea, con oportunidades de comprar la artesanía por subasta, pláticas diarias sobre y por los artesanos y sus situaciones en todo el mundo, y una fiesta grande la noche de viernes, una Gala que va estar el evento de coronación. Es gratis para asistir, pero por supuesto donaciones tienen la bienvenida – tal vez la cantidad que no va a gastar viajando a Santa Fe, por ejemplo. (O menos.)

Solamente para ver la artesanía que van a ofrecer vale la pena para inscribirse – lo cual es gratis. Además, si quiere aprender algo, van a presentar estas pláticas: lunes – Anita Reddy de India, la fundadora de Desarrollo de Tejedoras y Artesanos Rurales en Kalamkari Art; martes – un seminario web con Li Edelkoort, Philip Fimmano, y Keith Recker (detalles abajo); miércoles – Tejedor Mexicano Porfirio Gutierrez; jueves – un foro con un Miembro de la Junta de IFAM y Diseñador de Moda Peter Speliopoulos, Director Creativo de Salvatore Ferramamo Paul Andrews, y la fundadora de Kind Craft Lauren Lancy; y finalmente el viernes – Artista Rashmi Bhart de Avani Earthcraft de India. La mayoría de las pláticas son gratis, pero una tiene un costo porque es para recaudar fondos.

Para más información sobre La IFAM Un Mundo Gala y Subasta, visite el website de IFAM: https://folkartmarket.org/. O si quiere inscribirse ahora, vaya a: IFAM Registration. Esto podría ser uno de los mejores usos del internet que cualquiera de nosotros hacemos, para nuestro propio beneficio y el de cientos de artesanos del mundo entero.

Acá es una mirada más completa de un evento de la semana de maravillas de IFAM.

El martes, 7 de julio, venga con nosotros para un seminario web inspirador y ocasión de recaudar fondos para IFAM. Con los anfitriones Philip Fimmano, miembro de la junta de IFAM, y Keith Recker, Director Creativo de IFAM, en este seminario de web se va a contar las historias de varios artesanos impresionantes de varios lugares del mundo. Li Edelkoort, presidenta honoraria del IFAM en 2017, viene para compartir su visión de cómo el diseño contemporáneo puede ser inspirado por la emoción y mágia de artesanía, y después presentar su pronóstico 2020 de moda y textiles en una audio-visual de 30 minutos que celebra las conexiones culturales de la humanidad.

PRESENTADORES

LI EDELKOORT es una de las pronosticadoras culturales más respetadas en el mundo, trabajando en industrias desde diseño y moda hacia arquitectura, de comida y estilo de vida. Fundada en 1986, su empresa Trend Union (Unión de Tendencias) produce diseños y herramientas de colores para estrategas y creativos por igual. Publica revistas, es una campeona de artesanía, educadora de diseño, y una curadora de exhibiciones. En 2015 su famoso Anti-Moda Manifiesto estuvo el primero para despertar conocimiento de los grandes cambios en la industria de moda, llamando a una revisión completa del sistema. Hoy en día ella es Decana de Estudios Híbridos en La Escuela de Diseño Parsons donde ha fundado una Maestría en Textiles, uniendo artesanía y tecnología para un futuro sostenible. Su trabajo como agente de cambio culminó en la fundación del Foro de Esperanza Mundial en 2020 como plataforma para inspirar la comunidad creativa para reconstruir una sociedad mejor. Etiquetas de medios sociales: @lidewijedelkoort @worldhopeforum

PHILIP FIMMANO es un consultor de diseño, curador, y escritor, contribuyendo a los libros de Trend Union, y también sus revistas, y estudios estratégicos para empresas internacionales trabajando en moda, interiores, y estilo de vida. Con su socio Li Edelkoort, han co-creado exhibiciones para museos e instituciones culturales alrededor el mundo. En 2011 él co-fundó Talking Textiles (Textiles Hablando), una iniciativa para promover conocimiento e innovación en textiles a través de exhibiciones que viajan, una publicación de tendencias, un premio de diseño, y programas educacionales gratis – incluyendo El Mes Textil en Nueva York, un festival en toda la ciudad que celebra la creatividad en textiles cada septiembre. Fimmano enseña una maestría de pronóstico en Polimoda (Instituto Internacional de Diseño de Moda y Mercadeo) en Florencia y es un miembro de la junta de IFAM. Etiqueta de medios sociales: @philipfimmano

KEITH RECKER es el Director Creativo de IFAM. Actualmente es consultor sobre tendencias y pronóstico de colores para Pantone y tiene una práctica de consulta de colores muy especializada que se llama Chromosapien. Sus antecedentes son en la industria de diseño, e incluye puestos como VP de Dept. de Hogar en Bloomingdale’s Direct y Director de Folio Home en Saks Fifth Avenue. Recker trabaja también al nivel comunitario, dando capacitaciones a grupos como  Multicolores en Guatemala (un miembro de WARP). Fundador de la revista Hand/Eye (Mano/Ojo), su nuevo libro True Colors (Colores de Verdad), una publicación de Thrums Books, es sobre artesanos quien crean colores de materiales naturales y sobre la importancia histórica y sostenibilidad ambiental de esta práctica. Etiqueta de medios sociales: @chromosapien

NOTA: puede ver la historia en español abajo del inglés.

by Marilyn Murphy

As a weaver in the U.S., I clank away on my floor loom alone, enjoying my solitude. That’s the case for most of us who weave on foot-powered looms and COVID hasn’t much altered our solitary confinement. But in the weaving communities in the Peruvian highlands, the very idea of weaving alone is just not done. The weaving centers of the Center for Traditional Textiles of Cusco (CTTC) are a communal place where not only spinning, dyeing, knitting and weaving are done, it’s also where information and gossip are exchanged; and a place to escape from the confined space of home and family.

 

As of May 22, Peru ranked second only to Brazil in Latin America in the number of reported COVID cases. The Peruvian government took lockdown action on March 16, which certainly helped early on in keeping the virus contained. But now, due to people’s lack of following safe protocols, Peru is showing an alarming increase in cases. Fortunately, the Andean highland communities have remained relatively safe compared to the coastal and Amazonian ones. The CTTC has been closed since the quarantine, and its ten member weaving communities have been advised to weave in their homes and not at the village weaving centers. While the virus hasn’t reached them, it has translated into a loss of textile sales, their main means of income.

The quarantine has also negatively impacted CTTC. The Center in Cusco is the primary place where most tourists visit and where most textile sales occur. Losing its income from sales, and the staff having no ability to work at the Center, the CTTC board has projected a number of month-to-month scenarios while managing to keep staff working reduced hours on projects in their home villages and conducting meetings online or by phone.

Partnering with Andean Textile Arts

For the past twenty-one years, Andean Textile Arts, a U.S. 501c3 nonprofit, has supported CTTC through donations and grants. Over the past few months, the ATA and CTTC boards have been furiously working on short- and long-term strategies. It’s clear that tourism won’t return until 2021. In fact, ATA has cancelled its Peru tour this year which certainly reduces donation income. Thankfully, ATA’s 2019 year-end fundraising efforts allowed us to make an immediate $12,000 emergency grant to the Center to buy already-made products from the weavers, giving them some short-term income. Plus, we were able to fund a number of development programs within the weaving communities, as well as give partial funding to the education and community development staff. What has become abundantly clear is that CTTC’s website does not have a robust online sales component and this has become high priority along with developing a marketing and social media program. Meanwhile, the community development department is focused on working with the weavers in creating products that will be readily saleable when tourism does return.

The Situation End of May

I spoke with Nilda Callañaupa, the founder and director of CTTC, via Zoom last week so we could update each other on current conditions. She said that many of the Highland communities are closed off by the villagers themselves. They are quite concerned about who is coming into their community, even family members who have been working in other regions of Peru. So, while some restrictions are being loosened, Nilda said she and the CTTC staff may not be able to visit the communities to see firsthand the effects of COVID. Given this, CTTC has established community teams who will coordinate communication and programs with an association leader from each of the weaving communities. This leader will be critical to both their village and CTTC for coordinating weaving products, payments, training, and other aspects during this isolation period. It also helps to develop young leadership within the communities.

Nilda’s other worry is potential lack of food during the winter months (which begin soon). Normally, after harvest time, the families have sufficient food to get them thru to spring. But with many family members having returned home in March there are more mouths to feed. So, the CTTC board wants to establish a seed bank for the communities and advise the weavers to plant more and start the cycle earlier.

How You Can Help

During April and May, ClothRoads has been donating 100% of its sales of any of the products made by the weavers to CTTC. The response was so great that more items were added online last week. Now is the time to purchase one of CTTC’s naturally dyed and handwoven runners, shawls, bags, and more. Since everything is one-of-a-kind, you may not see something online so email murphy@clothroads.com to make an inquiry.

You can also donate to CTTC’s emergency relief fund through ATA or mail a check to Andean Textile Arts, PMB #428, 7 Avenida Vista Grande B-7, Santa Fe, NM 87508.

The sustainability of the global artisan sector depends on all of us. WARP members certainly know this firsthand and are doing what we can to assist our artisan partners and businesses.

Marilyn Murphy has served on the board of Andean Textile Arts since 2013 and is currently board president. She is a partner in ClothRoads, an online resource which focuses on supporting textile artisans around the world who want to sustain their cloth-making heritage. Prior to this, Marilyn was president of Interweave, a media publishing company in the arts and crafts sector. For the past eight years, she has assisted in the International Folk Art Market’s new artisan training program, and in 2019 was a member of the artisan selection committee.

 

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Efectos de COVID: El Centro de Textiles Tradicionales de Cusco, Perú

Autor: Marilyn Murphy

 

Como tejedora en EEUU, yo siempre tejo en mi telar de pie sola, disfrutando mi soledad. Es así para la mayoría de nosotros quien tejemos en telar de pie, y el COVID no ha cambiado mucho nuestro confinamiento solitario. Pero en las comunidades de tejedores en el Altiplano de Perú, el concepto de tejer solo no existe. Los centros de tejer del Centro de Textiles Tradicionales de Cusco (CTTC) son lugares comunales donde no solo hilar, teñir, tejer con agujas, y tejer con telares de cinturas son hechos, pero también compartir información, noticias, y chismes. También es un lugar para escapar del espacio confinado de la casa y familia.

A partir de 22 de mayo, Perú estuvo en lugar #2 en América Latina después Brasil en la cantidad de casos de COVID reportados. El gobierno de Perú tomó acción de cierre del país el 16 de marzo, y es cierto que esto ayudó a contener el virus. Pero ahora, por falta de usa protocolos seguros por la parte de mucha gente, hay una subida de casos alarmante en Perú. Afortunadamente, las comunidades del altiplano andino han seguido más o menos seguros en comparación de las de la costa y del Amazona. El CTTC ha estado cerrado desde el principio de la cuarentena, y sus diez comunidades de tejedores han estado aconsejados a tejer en sus casas, no en los centros comunitarios. Aunque el virus no ha tocado a ellos directamente, sí ha resultado en una pérdida de ventas de textiles, su fuente principal de ingresos.

La cuarentena también ha afectado negativamente el CTTC. El Centro en Cusco es el lugar principal que la mayoría de turistas visitan y donde compran textiles. Perder sus ingresos de ventas, y el hecho que su equipo no puede trabajar en el Centro, la junta de CTTC ha creado varios escenarios mensuales para mantener el equipo trabajando horas reducidas con proyectos en sus comunidades y manejando reuniones en línea o por teléfono.

Asociando con Artes Textiles Andinos

Por veintiún años la asociación Artes Textiles Andinos (ATA), una organización no lucrativa en los Estados Unidos, ha apoyado CTTC a través de donaciones y subsidios. En los últimos meses las juntas de ATA y CTTC han trabajado furiosamente con estrategias de corto y largo plazo. Es claro que el turismo no va a regresar hasta 2021. Como evidencia, ATA canceló su propio tour este año, y esto definitivamente reduce los ingresos de donaciones. Gracias a los esfuerzos de recaudar fondos de ATA al fin de 2019 nos permitieron dar un subsidio de emergencia por $12,000 al Centro para comprar tejidos ya hechos de los tejedores, suministrando ingresos para el plazo corto. Además de eso pudimos dar fondos para varios programas de desarrollo comunitario, más ayudar un poco con los equipos de trabajo en educación y desarrollo comunitario. Lo que es demasiado obvio es que la website de CTTC no tiene buenas ventas en línea entonces ahora es una prioridad es el desarrollo de programas de mercadeo y media social. Mientras tanto, el departamento de desarrollo comunitario está bien enfocado en trabajar con los tejedores creando productos los cuáles van a estar bien vendibles cuando los turistas regresen.

Situación al fin de Mayo

Hablé con Nilda Callañaupa, la fundadora y directora de CTTC, via Zoom la semana pasada para poner al día de las condiciones actuales. Ella me dijo que muchas de las comunidades en el Altiplano están cerradas por la comunidad misma. Están preocupadas sobre quién entra, aún miembros de familias que han trabajado en otras regiones de Perú. Entonces, mientras unas restricciones están bajando, Nilda dice que hay una posibilidad que ni ella ni el equipo de CTTC puedan entrar a las comunidades para ver cómo sigue la gente, los efectos de COVID. Entonces, CTTC estableció equipos quienes van a coordinar comunicación y programas con un líder de la asociación de cada comunidad. Este líder va a tener un rollo crítico en su comunidad y también con CTTC para coordinar pedidos, pagos, entrenamiento, y otras necesidades en el tiempo de aislamiento. Al mismo tiempo, ayuda para desarrollar liderazgo entre los jóvenes de las comunidades.

Otra preocupación de Nilda es la falta de comida que podría pasar en los meses de invierno (los cuales empiezan pronto). Normalmente, después de la cosecha, las familias tienen suficiente comida para estar bien hasta la primavera. Pero con tantos familiares regresando en marzo, de repente hay muchas más bocas para alimentar. CTTC quiere establecer un banco de semillas para las comunidades, y aconsejar a los tejedores sembrar más y empezar el ciclo más temprano.

Como Usted Puede Ayudar

En abril y mayo Cloth Roads ha donado 100% de sus ventas de cualquier producto hecho por los tejedores a CTTC. La respuesta fue tan magnífica que a la tienda online se agregó más productos la semana pasada. Ahora mismo es el tiempo para comprar un camino de mesa, chal, bolsa, u otro tejido de CTTC, todo hilado y tejido a mano y teñido con tintes naturales. Por el hecho que todos son únicos, si no ve lo que quiere, puede escribir a Marilyn a murphy@clothroads.com y preguntar.

También puede donar al Fondo de Emergencia de CTTC por ATA, o puede mandar un cheque a Andean Textile Arts, PMB #428, 7 Avenida Vista Grande B-7, Santa Fe, NM 87508.

La sostenibilidad del sector artesano depende de todos de nosotros. Miembros de WARP lo saben de primera mano y estamos haciendo todo lo posible para atender a nuestros socios artesanos y sus negocios.

Marilyn Murphy ha estado en la junta de Artes Textiles Andinos desde 2013 y ahora es su presidenta. Ella es una socia de ClothRoads (Caminos de Tejidos), un recurso online con un enfoque de apoyar artesanos de textiles en todo el mundo quienes quieren conservar sus tradiciones y herencias textiles. Antes de eso Marilyn fue presidenta de Interweave Press, una empresa de media sobre artes y artesanía. Por los últimos ocho años ella ha ayudada con el programa nuevo de entrenamiento de artesanos en el Mercado Internacional de Arte Folklórico en Santa Fe, y en 2019 estuvo parte del comité para seleccionar los artesanos que vienen a IFAM.

 

 

 

NOTA: puede ver la historia en español abajo del inglés.

By Lynda Teller Pete

Photographs by Joe Coca

Navajo weaving is known best in the American Southwest. It is a complex art form and to us, Diné weavers, it is a living art form that permeates our families through songs, prayers, and traditions. Every step is a lesson. When Navajo weaving is mentioned in conversations, read about in literature, highlighted during lectures, or glimpsed during a television show or movie, the audience individually will conjure up their own interaction or a memory with a Navajo blanket, rug, or a tapestry.

In the Southwest it is much more common for folks to know a little about where these colorful, seemingly alike rugs come from. Appropriated designs are on clothing, stationery, kitchen ware, household furnishings, anything that screams “You are in the Southwest” and most people are not knowledgeable enough to distinguish between a Diné woven textile and a manufactured knock-off from another country.

On the next level, the more informed aficionados will know a bit more about Navajo weaving, may have grown up with rugs on the floor at their grandparents’ or their family homes, and, consequently, may have inherited some of these rugs.

And there are the collectors, scholars, native art aficionados, where history is important, the weaver is important, which regional styles are favored, the timeline of styles from early 1850s to present time, and most importantly, they know the differences in what a blanket, a rug, or a high weft count tapestry are. They know that the textiles of the weavers who hand processed their materials are more expensive than the textiles where weavers used commercial materials. However, there are more complex issues involved so they do not automatically dismiss a textile woven with commercial materials. They are aware that Navajo weaving isn’t just a craft, it is an investment in fine art and much more. At the top level, some know how Diné weavers live and weave in a myriad world of integrating ancient knowledge, cultural protocols and traditional pathways, and adapting to the present without losing any of their core concept of hózhó. Hózhó extrapolates the Diné’s understanding of harmony as it is reflected in their lives as weavers.

But let’s say someone picks up a Navajo textile and copies it and proceeds to sell said product.  It is now no longer appreciation; it is now appropriation.

Artisans of every culture around the world are suffering the outright theft of their traditional cultural work, mostly by big companies who have a slew of lawyers in place to stave off intellectual property suits.  Protecting one’s work is a constant battle.  The weavers of my family have had our design work stolen, reproduced by weavers outside this country and resold as ‘Tribal’ or ‘Ethnic’ for a fraction of what it’s worth.

The Indian Arts and Crafts Act (https://www.doi.gov/iacb/act – IACA) was created in 1935 and updated in 1990.  It is a truth-in-advertising law which prohibits misrepresentation in marketing of American Indian or Alaska Native arts and crafts products within the United States.  The law also created the Indian Arts and Crafts Board (https://www.doi.gov/iacb – IACB), an agency within the Department of the Interior whose mission is to “promote the economic development of American Indians and Alaska Natives through the expansion of the Indian arts and crafts market”. This agency processes IACA violation complaints, sends warning letters to the accused, and distributes educational literature. Even with these two agencies, the fraud that impedes the economics of Diné weavers is extensive and rampant. We are reluctant to post our textiles online because our designs will show up on manufactured household products, clothing, and paper products. Labeled Ethnic, Tribal or Native Art, they skirt the law by not labeling it Navajo.

Many non-Navajo students come to Navajo weaving classes to learn about the weaving, our culture, and our traditions.  Hopefully, these students have the benefit of an actual Navajo weaver using a Navajo loom to guide them in their learning.  Knowledge and teaching are freely given, but students are not being taught to BE Navajo weavers.  If a weaver isn’t Navajo, then Navajo weaving is not their tradition.  Students are being taught the techniques.  They are learning history and tradition.  They are being given a safe place to explore and learn about our cultural woven traditions.  Here are some guidelines for when a non-Navajo student participates in Navajo weaving.  Do not label the weaving as ‘Navajo’.  Do not sell these weavings.  These designs belong to the Navajo people.  Explore them, learn about them, but don’t sell them.  These weavings can be given as gifts or made for personal use, but they should never be made for commercial reasons.  Never copy the weaving of a known or distinctive artist without permission.  There is a fine line between learning exploration and appropriation.

The deciding factor of Navajo weaving appropriation is the recognizable use of Navajo designs. It is not the use of Navajo looms, Navajo tools, or fiber. My family and I encourage all students to expand their creative designs. My sister Barbara and I have on occasion received push back for teaching Navajo weaving to non-Navajos.  Education and sharing lead to survival and an open world.  We want people to learn more about the Navajo people and Navajo weaving. Barbara and I deeply respect and guard our sacred traditions.  We bring sample designs for our beginning weaving classes that are simple and are designed to teach specific weaving techniques such as hook joins or diagonals, to move designs to the right first, then move to the left without adding a new weft.  The designs are simple, and we have three levels, easy, medium, and challenging.  We have discussions on what is appropriate for Navajo beginning students and what is appropriate for non-Navajo students. We encourage and assist the non-Navajo students to come up with a design that is meaningful for them within their design sense and/or their own cosmology.

Very importantly we stress to please NEVER weave or create Yei or Sand Paintings in their textiles.  These are sacred to the Navajo people.  We have entire traditions and cultural protocols dedicated to who creates them, how, and when they should be used. Weaving these designs should be done by those who are Navajo, understand this cosmology, and are part of the tradition.  The fact that the tourist industry ignores it is not an excuse to do it. Diné weavers weave Sand Paintings and Yei rugs and market them and there is no harm in buying one to decorate your home.  Most often these rugs are woven by seasoned Diné weavers who observe proper protocols, who are initiated into these ways.

Cultural Appropriation is a complicated and nuanced issue.  In addressing this issue, we are trying to preserve the work of our ancestors and the traditions that belong to the Navajo people.  It is at the same time intellectual property, cultural identity, and a spiritual imperative.  There is no easy answer that will address the damage done by past injustice or current wrongs.  What we seek is to create an increased awareness and a change in many current attitudes.

Lynda Teller Pete and Barbara Teller Ornelas have written two books about Navajo weaving, both published by Thrums Books (.com). Spider Woman’s Children, which tells the stories of contemporary Navajo weavers, came out in 2018. How to Weave a Navajo Rug and Other Lessons from Spider Woman will appear in October of 2020 and you are the first to see the cover. This essay is an adaptation from the new book. To read our previous post by Lynda, please click here.

 

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Apropiación Cultural de Adentro Hacia Afuera

Autor: Lynda Teller Pete

Fotografías de Joe Coca

El tejido navajo es mejor conocido en el Suroeste de EEUU. Es un arte complejo y para nosotros, los tejedoras diné, es un arte vivo que impregna nuestras familias atreves de canciones, oraciones, y tradiciones. Cada paso es una lección. Cuando un tejido navajo es mencionado en conversaciones, leído en literatura, tocado en presentaciones, o visto en un programa de televisión o una película, cada persona en la audiencia va a tener su propia reacción, interacción, o memoria de una chamara, una alfombra, o un tapiz navajo.

En el Suroeste es común que la gente sabe un poco de dónde vienen estas alfombras coloridas que parecen muy similares – pero tal vez sólo un poco. Encontrará diseños apropiados en ropa, papel de escribir, cosas para la cocina, muebles, cualquier cosa que grita “¡Está en el Suroeste!” y la mayoría de gente no sabe suficiente para distinguir entre un tejido navajo/diné y uno falso fabricado en otro país.

En el próximo nivel los aficionados mejor informados saben un poco más sobre los tejidos navajos, tal vez crecieron con una alfombra en el piso de la casa de sus abuelos o familia, y posiblemente por eso heredó una o más de estas alfombras.

Y también están los coleccionistas, escolares, aficionados del arte nativo, donde la historia es importante, la tejedora es importante, cuáles estilos regionales son más favorecidos, la línea de tiempo desde temprano en los 1850s a hoy en día, y lo más importante, ellos saben la diferencia entre una chamara, una alfombra, y un tapiz con alta cuenta de trama. Saben que los textiles de las tejedoras que hacen todo el proceso a mano valen más que los donde las tejedoras usan materiales comerciales. Sin embargo, hay factores más complicados involucrados entonces ellos no descarten automáticamente los textiles con materiales comerciales. Están conscientes que los tejidos navajos no son sólo artesanía, son una inversión en arte fino y mucho más. Al nivel más alto, algunos conocen como las tejedoras dinés viven y tejen en un mundo integrando conocimientos ancestrales, protocolos culturales y senderos tradicionales, y adaptándose al presente sin perder su concepto fundamental de hózhó. Hózhó extrapola el entendimiento diné de la harmonía como está reflejado en sus vidas como tejedoras.

Pero déjenos decir que alguien toma un tejido navajo y lo copia y vende su producto. Esto no es apreciación, es apropiación.

Artesanos de cada cultura en el mundo están sufriendo el robo de su trabajo tradicional y cultural, más que todo por empresas grandes que tienen un montón de abogados trabajando para evitar los litigios de propiedad intelectual. Proteger el trabajo de uno es una lucha constante. Las tejedoras de mi familia han tenido nuestros diseños robados, reproducidos por tejedoras afuera de este país, y vendido como “Tribal” o “Étnico” por una fracción de su valor.

El Acta de Arte y Artesanía Indígena (https://www.doi.gov/iacb/act) (IACA – sus siglas en inglés) fue creada en 1935 y actualizada en 1990. Es una ley de verdad-en-publicidad que prohíbe la representación falsa en mercadeo del trabajo de los indígenas de América y Alaska dentro de los Estados Unidos. La ley también creó el Comité de Arte y Artesanía Indígena (https://www.doi.gov/iacb) (IACB – sus siglas en inglés), una agencia dentro del Departamento del Interior que tiene como misión “promover el desarrollo económico de los indios americanos y nativos de Alaska por la expansión del mercado para las artes y artesanía indígena”. Esta agencia procesa las quejas de violaciones de IACA, manda cartas de aviso a los acusados, y distribuye literatura educacional. Aun con estas dos agencias, el fraude que impide las economías de las tejedoras dinés es extenso y desenfrenado. Nosotros no queremos poner nuestros textiles en línea porque nuestros diseños van a aparecer en productos para casas, ropa, y productos de papel. Con etiquetas que dicen “Étnico”, “Tribal”, o “Arte Nativo”, ellos evitan la ley no usando la palabra “Navajo”.

Muchas estudiantes no-navajo vienen a los cursos de tejer para aprender sobre los tejidos, nuestra cultura, y nuestras tradiciones. Esperamos que ellas tengan el beneficio de tener una tejedora navajo usando un telar navajo para guiarlas en su aprendizaje. Conocimiento y enseñanza están dados libremente, pero las estudiantes no están enseñadas a SER tejedoras navajos. Si una tejedora no es navajo, entonces los tejidos navajos no son su tradición. A las estudiantes se les enseñan las técnicas. Ellas están aprendiendo la historia y tradición. Tienen un espacio seguro para explorar y aprender sobre nuestras tradiciones culturales de tejidos. Aquí son unas guías para un estudiante no-navajo aprendiendo a tejer navajo: No etiquetar el tejido como navajo. No vende estos tejidos. Estos diseños pertenecen a la gente navajo. Explore, aprenda, pero no venda. Puede darlos como regalos, o los usan para uso personal, pero nunca deberían estar hechos por razones comerciales. Nunca copia los tejidos de una artista bien conocida o muy distinta sin permiso. Hay una fina línea entre explorar y apropiar.

El factor decisivo de apropiación de tejidos navajos es el uso reconocible de diseños navajos. No es el uso de los telares navajos, herramientas navajos, ni fibras. Con mi familia animamos a nuestras estudiantes a expandir sus diseños creativos. Mi hermana Bárbara y yo a veces recibimos presiones por enseñar a tejer navajo a gente que no son navajo. Educación y compartiendo conducen a sobrevivencia y un mundo abierto. Queremos que la gente aprenda más sobre el pueblo navajo y los tejidos navajos. Bárbara y yo tenemos respeto profundo y guardamos nuestras tradiciones sagradas. Traemos ejemplos de diseños para nuestras estudiantes principiantes sencillos y diseñados para enseñar técnicas específicas como hook joins o diagonales, para mover diseños hacia la derecha primero, y después moverlos hacia la izquierda sin añadir trama nueva. Los diseños son sencillos, y tenemos tres niveles, fácil, mediano, y complejo. Tenemos conversaciones sobre lo que es conveniente para estudiantes principiantes navajos y lo que es conveniente para estudiantes no-navajos. Animamos y atendemos las estudiantes no-navajo para crear un diseño que significa algo para ellas con su propio sentido de diseño y/o cosmología.

Algo muy importante es que insistimos que ellas NUNCA tejan ni crean los Yei o Pinturas de Arena en sus textiles. Estos son sagrados para el pueblo navajo. Tenemos tradiciones completas y protocolos culturales dedicados a quién los crea, cómo, y cuándo deberían ser usados. Tejer estos diseños debería estar circunscrito a quienes son navajos, entienden esta cosmología, y son parte de la tradición. El hecho que la industria de turismo lo ignora no es una excusa para hacerlo. Tejedoras dinés tejen alfombras con Yei y Pinturas de Arena y las venden, y no hay daño en comprar una para decorar su casa. Más frecuentemente estas alfombras son tejidas por tejedoras dinés muy educadas para observar protocolos correctos, tejedoras quienes son iniciadas en la vía sagrada.

Apropiación Cultural es un tema complicado y matizado. Al enfrentarlo, estamos tratando de preservar el trabajo de nuestros antepasados y las tradiciones que pertenecen al pueblo navajo. Al mismo tiempo es propiedad intelectual, identidad cultural, e imperativo espiritual. No hay una respuesta fácil que conteste el daño hecho por injusticia pasada ni errores de hoy en día. Lo que buscamos es crear una consciencia amplia y un cambio en muchas actitudes corrientes.

 

Lynda Teller Pete y Barbara Teller Ornelas han escrito dos libros sobre tejidos navajos, los dos publicados por Thrums Books (.com). Los Hijos de Mujer Araña, 2018, cuenta las historias de tejedoras (y tres hombres) navajos contemporáneas. Como Tejer una Alfombra Navajo y Otras Lecciones de Mujer Araña va a aparecer en octubre de 2020, y ustedes son los primeros que vean la portada. Esto artículo es una adaptación del libro nuevo.

 

NOTA: puede ver la historia en español abajo del inglés.

Last month we promised two articles on cultural appropriation, one from a non-Navajo, the second from a Navajo, both looking at appropriation with regards to the Navajo world. Paul Zolbrod looked at the issue from the outside in, and now Lynda Teller Pete is going to offer her perspective from the inside out. This post is to introduce Lynda and her first-hand experience with appropriation. On Sunday morning (May 3, 2020) we will post her essay on the subject in more general terms. Read on, and learn.

By Lynda Teller Pete

Photographs by Belvin Pete

I wove a period piece tapestry in 2011 and entered it into the Santa Fe Indian Market as a Child’s Blanket.  Child’s Blankets were made from the late 1800’s to early 1900’s.  My designs tell the story of our people, prisoners of war, and their journey home to our homeland in 1868.  The designs that are top and bottom of the black and white are prison fences at Bosque Redondo.  Our people crossed over rough terrain; the flat blue and gray represent the terrain.  The black and gray crosses are a simple variant of a Spider Woman cross that guided our people. I on purpose did not weave in the Spider Woman crosses that are traditional. I made them plain black with gray because the faith was still there but our people needed and wanted to get home first.  The middle part is when the weavers are home, there is a renaissance, a color explosion, and the little yellow sections that belong on traditional Spider Woman crosses appear.

A copy of my Child’s Blanket from the Santa Fe Indian Market is in the right column. Woven in acrylic, the price was as low as $8.50 each for bulk purchase. A magazine called the owner and asked about it, and he said it was a variant of a Navajo traditional design.  He then said they were going to take my design out of the catalog to avoid future problems.

It is my design and my design only and it tells a story.  It is contemporary, it’s abstract, and only I can tell the story.  I have since made many more of them and there is one that tells the story of our captured people being marched to Bosque Redondo.

The catalog now has this disclaimer:  

The Items on this website are not Indian produced, an Indian product or the product of a particular Indian, Indian Tribe or Indian Arts and Craft Organization as defined by 2.5 USC & 305 et seq. Designs and images are copyrighted and may not be used without permission.

These are two more of my Child’s Blanket series:

The first tapestry is telling the story of our captured people marching to Bosque Redondo, far from the sacred mountains. They are represented in the colors of black, yellow, and turquoise. The blue stair steps represent their attempt to try to survive by continuing to weave. I did the old fashioned Spider Woman cross but I wove a heavy outline around it because it was a traumatic time for them. The second one is toward the end of the time in Bosque Redondo when our people are continuing to weave, are attempting to grow things, and the faith in Spider Woman is getting stronger, as shown by the many little yellow crosses.

People can’t just rip these off, they have meaning.  I dyed all my colors and it took many months to come up with designs after many were discarded.  Representation is important.

Lynda Teller Pete and Barbara Teller Ornelas have written two books about Navajo weaving, both published by Thrums Books (.com). Spider Woman’s Children, which tells the stories of contemporary Navajo weavers, came out in 2018. How to Weave a Navajo Rug and Other Lessons from Spider Woman will appear in October of 2020 and you are the first to see the cover. The essay on Cultural Appropriation that will appear in the WARP blog on May 3 is an adaptation from the new book.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Apropiación Cultural – Desde la Perspectiva Navajo

Hace un mes prometimos dos artículos sobre apropiación cultural, uno de alguien no-navajo, el otro de un navajo, los dos viendo apropiación y como afecta el mundo navajo. Paul Zolbrod vio el tema de afuera hacia adentro, y ahora Lynda Teller Pete va a dar su perspectiva de adentro hacia afuera. Hoy presentamos Lynda y su experiencia personal con apropiación. El domingo (3 de mayo de 2020) vamos a publicar su ensayo más general del tema. Lea, y aprenda.

Autor: Lynda Teller Pete

Fotografías de Belvin Pete

Tejí una pieza del período en 2011, y la presenté al Mercado Indio de Santa Fe como una Chamara de Niño. Chamaras de Niño fueron hechas desde tarde en los 1800s hasta temprano en los 1900s. Mis diseños cuentan la historia de nuestro pueblo, prisioneros de guerra, y su viaje a nuestra tierra natal en 1868. Los diseños arriba y abajo del negro y blanco son cercas de prisión en Bosque Redondo. Nuestro pueblo cruzó sobre territorio difícil; el azul plano y el gris representan el terreno. Las cruces azules y negras son una variedad sencilla de una cruz de Mujer Araña, quien guia nuestra gente. Intencionalmente no tejí las cruces tradicionales de Mujer Araña. Las hice negra con gris porque la fe todavía existía pero nuestra gente necesitaba y quería regresar a casa primero.  La parte de en medio es cuando las tejedoras están en casa, hay un renacimiento, una explosión de color, y aparecen los puntos pequeños amarillos que son parte de las cruces tradicionales de Mujer Araña.

Puede ver una copia de mi Chamara de Niño del Mercado Indio de Santa Fe en la columna derecha. Tejido de acrílico, el precio es tan bajó como $8.50 c/u para compras mayores. La revista 5280 llamó el dueño de la empresa sobre esto, y él dijo que era una variedad de un diseño navajo tradicional. Después dijo que ellos iban a quitarlo del catálogo para evitar problemas en el futuro.

Es mi diseño, solamente mi diseño, y cuenta una historia. Es contemporáneo, es abstracto, y sólo yo puedo contar la historia. He hecho muchos más de estos y hay uno que cuenta la historia de nuestra gente capturada en marcha a Bosque Redondo. 

Ahora el catálogo tiene este descargo de responsabilidad:

Los artículos en esta website no son producidos por indios, ni son productos de indios o de un indio particular, una tribu de indios, ni una Organización de Arte y Artesanía Indio como está definido en 2.5 USC & 305 et seq. Diseños e imágenes tienen Derechos de Autor y no pueden estar usados sin permiso.

Aquí son dos más de mi seria de Chamaras de Niño:

La primera chamara cuenta la historia de nuestra gente capturada marchando a Bosque Redondo, lejos de las montañas sagradas. Ellos son representados con los colores de negro, amarillo, y turquesa. Las gradas azules representan sus esfuerzos para sobrevivir a través de continuar tejiendo. Usé la cruz de Mujer Araña del estilo viejo pero tejí un contorno grueso alrededor porque fue un tiempo traumático para ellos. La segunda representa el tiempo más cerca del fin de tiempo en Bosque Redondo, cuando nuestra gente sigue tejiendo, intenta sembrar hortalizas, y la fe en Mujer Araña crece más fuerte, demostrado por muchas cruces amarillas.

La gente de afuera no puede arrancar éstas, significan algo. Yo teñí todos mis colores, y me tomó muchos meses para crear diseños después de que muchos fueron descartados. Representación es importante.

Lynda Teller Pete y Barbara Teller Ornelas han escrito dos libros sobre tejidos navajos, los dos publicados por Thrums Books (.com). Los Hijos de Mujer Araña, 2018, cuenta las historias de tejedoras (y tres hombres) navajos contemporáneas. Como Tejer una Alfombra Navajo y Otras Lecciones de Mujer Araña va a aparecer en octubre de 2020, y ustedes son los primeros que vean la portada. El artículo sobre Apropiación Cultural que aparecerá el 3 de mayo es una adaptación del libro nuevo.

Photo Courtesy of Multicolores: Healthy Environment by Imelda Estela Pich Chopén

NOTA: puede ver la historia en español abajo del inglés.

With the onset of the Pandemic, artisans, both individuals and groups, are as hard hit as the millions of other people suddenly without work. As we all know, by the time we emerge from this we will be looking at a different world than the one we left behind a month or two ago. In its role as a networking organization for people working with artisans in communities-in-need, WARP recently posed the question to its membership: How is the COVID 19 affecting the people you work with, and what is being done to confront the challenges? Please send us your ideas or needs, as everyone is dealing with the big question, “Now what?”  What follows are the answers we have gotten. If more people write in, we will share more. That’s what we can do. Meanwhile, thanks to those who sent in their stories.

Deborah Chandler

 

Mary Anne Wise – Stockholm, Wisconsin and Guatemala – Multicolores

In Guatemala, as in countries across the globe, schools are closed, many businesses (except essential services) are closed, and some small towns and villages are denying entry to anyone but locals. Social safety nets and government help – like the one the US just passed – are seriously limited. A small NGO might reasonably suggest pulling back production because who knows how long this will last?

But here’s the thing: the husbands are out of work and older children who work outside the home and contribute to the household income can no longer earn money either. And so suddenly and dramatically rug money becomes extremely important. With kids now at home, not at school, it’s a good bet production will fall off anyway. It’ll take care of itself. The point is a revenue stream remains – and the family can feel some security in this fact. Maybe they’ll appreciate mom a bit more, too.

Vamos a ver.

For more information about Multicolores, check out their Facebook page.

(DC: and as a sign of their flexibility in thinking, when a recent show and sale of rugs was cancelled, with the help of 32 auctions, Multicolores created an online auction to sell the rugs. It was very successful.)

 

Lynn Persson – Madison, Wisconsin and Guatemala – Terra Experience

My question is how to best help some of the families I have worked with for many years.   I am not sure if I put in more orders, I’ll be able to sell their products.  I am checking what their greatest concerns & needs are.  I’m thinking if I provide some regular small stipends it might go farther for them than orders that I am not sure I can sell.  No easy answers. Just helps to write out my questions.   It’s so sad because some of kids of the weavers were going to the universities on the weekend (and working during the week).  Now I am just concerned that the families just have the resources they need to survive.

Postscript 4/7:  Going to focus on the virtual world right now 1) Looking for options for keeping those university students (and others) in school virtually (using cell phones or ???, any ideas?).  2) Transition my 20 year old still working website http://terraexperience.com to a Shopify website (interim site for new products is https://terradollclothes.com/), (I could use help from a Shopify geek and marketer),  and keep in touch (virtually) with artisan families and groups to get their ideas on what is needed to survive in the coming year. I also want to plan and invest for future global and local economies, markets that are likely to be significantly different than those they or I have known.  I am focusing on products that are most likely to keep kids in school (and sell on web), including doll clothes that are miniatures of traditional Mayan dress, embroidered tapestries that tell stories of their lives, and paintings done in the traditional styles of Lake Atitlán and San Juan Comalapa regions. All may be seen on the terradollclothes.com site above.

You can visit Terra Experience’s listing in WARP’s Artisan Textile Resource Guide.

 

Dorinda Dutcher – Bozeman, Montana and Bolivia – PAZA

My work with weavers in Independencia, Bolivia began in 2007 as a Peace Corps Partnership Project. Since the Pandemic began I have been in touch with the weavers weekly through a video WhatsApp call. The timeline and impact of COVID-19 during the month of March can be read at: https://pazaboliviablog.com/2020/04/03/quarantine-in-independencia/

There’s a link at the end of the blog posting to a YouTube video made by a Dutch motorcycle adventurer taken in Independencia. I spotted my favorite shopkeepers, my landlord, and Doña Maxima and her husband. I watched later episodes as the national lockdowns impacted her/the motorcyclist’s travels. She ended up in a Peruvian altiplano village for the initial 15 day lockdown, and as a foreigner was singled out by the police and local medicos for attention. Unfortunately, that led to ugly rumors about the foreigner bringing the virus to the village that spread insidiously via Facebook. (Note from DC: sadly, this is common now, a fear of “others” that leads to dangerous behaviors in many places.)

 

Ella Goodine-Richardson – New York City – Veterans Groups

Right before the pandemic and subsequent measures took the city by storm I was designing and fabricating over 100+ costumes for four prominent anti-war veteran groups in the big apple: Veterans for Peace, Chapter 034, Vietnam Veterans Against the War, Abraham Lincoln’s Brigade, and the Veterans Peace Council of Metro New York. This project was part of a larger mission to invite veterans from across the United States to participate in various anti-war demonstrations in my costumes, banners, and fabric puppets.

March and April were to be our fundraising months to help collect money to support the project. I have been racing the clock applying for relief grants and the like, though my competition is vast given the circumstances of so many artists, artisans, and craft folks. I would love to ask for support at this time for the continuation of the veteran project. Through the support of the veteran project, I would be able to share veterans’ stories on my social media, and have an influence on communities throughout the United States. Right now more than ever the global community needs to hear about war and the possibilities of peace!

http://www.ellagoodinerichardson.com/

 

Dot Strasser – Portland, Oregon – Footsteps to Recovery

The Footsteps to Recovery program case manages vets with severe mental illnesses such as schizophrenia, bipolar, PTSD and major depression.  The particular benefits from our unit on fiber are related to each vet working on their own chosen creation as part of a larger project which they can collectively feel proud of. Each vet chooses their own fiber and design, selecting textures and colors which they are drawn to. Yarns have been donated from weavers at Ruthie’s Weaving Studio here in Portland and include all types of natural fibers including hand spun woolens, linens and roving.  Having a designated creative time and space helps the participants structure their day, connect with peers, give and receive positive feedback and just enjoy feeling and working with the natural fibers!

My last day to work with veterans at one of the mental health clinics at PVAMC was March 13th. We had been weaving yarn mandalas on CDs, coasters, and bike rims with the plan to display them in the lobby at the end of April.  Of course all that changed but not before I was able to put together some take home kits for weaving at home!

 

 

Nancy Liebrecht – Fries, Virginia – Blue Ridge Fiber Fest

Textile production has deep roots in this area.   Up until the 1930’s some women were still weaving overshot coverlets on homemade barn looms.  Quilting remains a popular avocation.  I have a locally produced, prize winning quilt on my bed, which probably should be in storage, but I like to see it every day.  Commercial textile production drove the regional economy until fairly recently.

I belong to a small group of retired ladies who have the crazy idea that we can use regional textile traditions to generate economic growth in our area.  We have floated a number of ideas and tried out a few, but the one that has been most successful was the Blue Ridge Fiber Fest.  The first festival, two years ago, surprised everyone — us included.  Around 1300 visitors descended on the town of Sparta, North Carolina.  The only motel in town filled, and local restaurants ran out of food.

We were looking forward to pulling off another successful festival this June, but like every other event, ours has been cancelled.  We have not given up, though, we are going to try and do a series of smaller events throughout the summer.  This will help our vendors and teachers, who have now lost a half year of revenue, and it just might help some of our local businesses stay afloat.

 

Vanina Bujalter – Buenos Aires, Argentina – Artist

Craft fairs are closed, so we take advantage to produce pieces…still worried about our futures, no tourism, no incomes…we’ll see.

¿Cómo será nuestro futuro como artesanos? Ya hoy estamos parados con nuestro trabajo, y no se ve un panorama muy alentador. Cualquier idea que yo creo que pueda aportar por supuesto te lo haré saber.

 

 

Adrienne Sloane, Watertown, Mass. – Artist

Here is the only thing that I can think to do from quarantine that might be at all helpful during these surreal times.

DC: Who are you giving them to?

Friends and family and others like nursing homes.  I then might move on to www.weneedmasks.com  It’s the only thing that makes sense to me and has been keeping me half sane…though that might be beginning to fray around the edges somewhat.

Note from DC: I added this because this idea is making its way into many artisan groups also. Groups with sewing skills in various countries have shifted their focus to mask-making, for local and international sale, thus filling a need and providing work. Good idea.

 

 

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Viendo el Mundo de Nuevo

Con la llegada de la Pandemia, los artesanos, individuales y grupos, están golpeados tan duro como los millones de otra gente de repente sin trabajo. Como todos sabemos, cuando salimos de eso vamos a estar mirando un mundo diferente que el que dejamos hace uno o dos meses. En su rol de una organización que sirve como una red de comunicación para gente que trabaja con artesanos en comunidades con recursos limitados, WARP mandó una pregunta a toda su membresía: ¿Cómo están afectados la gente con quienes está trabajando por el COVID 19, y cuáles son las actividades en proceso para enfrentar los desafíos? Por favor mándenos sus ideas o necesidades, porque ahora todos están luchando con la misma pregunta, “¿Ahora qué?” Lo que sigue es lo que hemos recibido. Si más gente contesta, compartiremos más. Esto es lo que podemos hacer. Mientras tanto, gracias a todas quienes contestaron con sus historias.

Deborah Chandler

 

Mary Anne Wise – Stockholm, Wisconsin y Guatemala – Multicolores

En Guatemala, como en países en todo el mundo, las escuelas están cerradas, muchas empresas (menos que servicios esenciales) están cerradas, y algunas aldeas están bloqueando visitas de cualquier persona de afuera. Las redes sociales y ayuda del gobierno – como pasa en EEUU – son muy limitadas. Una ONG pequeña puede pensar, con toda la razón, reducir producción porque ¿quién sabe por cuánto tiempo más esta situación va a seguir?

Pero aquí es la cosa: los esposos no tienen trabajo ahora, e hijos grandes quienes trabajan afuera de la casa y contribuyen a los ingresos no pueden ganar dinero ahora tampoco. Entonces de repente, y en una manera muy dramática, el dinero de las alfombras es sumamente importante. Con los patojos en  la casa ahora, no en las escuelas, probablemente producción va a caer en cualquier caso. No será necesario restringirla. El punto es, hay una fuente de ingresos, y la familia puede sentir un poco de seguridad con esto. Y tal vez van a agradecer a Mamá un poco más ahora también.

Vamos a ver.

Para más información sobre Multicolores, lea su página de Facebook.

(DC: y como evidencia de su flexibilidad con ideas, cuando un exhibición y venta de las alfombras era cancelada recientemente, con la ayuda de 32auctions, Multicolores presentó una subasta para vender las alfombras en línea, con gran éxitos.)

 

Lynn Persson – Madison, Wisconsin y Guatemala – Terra Experience

Mi pregunta es cuál es la mejor manera de ayudar algunas de las familias con quienes he trabajado por muchos años. No estoy segura si hago más pedidos voy a poder vender los productos. Estoy en comunicación con ellas para saber sus necesidades y preocupaciones principales. Pienso que si tal vez doy unos estipendios pequeños podría servir más que pedidos que no estoy segura que puedo vender. No hay respuestas fáciles. Me ayuda escribir mis preguntas. Es bien triste porque algunos de los hijos de las tejedoras asistieron a las universidades los fines de semana, trabajando por la semana. Ahora estoy preocupada que las familias tienen los recursos para sobrevivir.

Ahora 7 de abril: Voy a enfocar en el mundo virtual ahora. 1) Buscando opciones para que los estudiantes universitarias (y otros) puedan seguir estudiando virtualmente, usando celulares o ¿? – ¿alguien tiene ideas? 2) Cambiar mi website de 20 años que todavía funciona http://terraexperience.com a un website de Shopify (para ahora https://terradollclothes.com/), (podría usar ayuda de un técnico que conoce Shopify y mercadeo), y seguir en contacto (virtual) con las familias y grupos de las artesanas para averiguar lo que necesitan para sobrevivir el año entrante. También quiero pensar en como planificar e invertir en un futuro global, las economías y los mercados locales, los cuáles van a ser muy diferente que los que ellos y yo hemos conocido. Estoy enfocando en productos que van a ayudar a mantener los patojos en sus escuelas (y que venden bien en línea), incluyendo ropa para muñecas que son miniaturas de traje maya tradicional, tapices bordados que cuenta las historias de sus vidas, y pinturas tradicionales del estilo del Lago Atitlán y San Juan Comalapa. Se puede ver todos de estos productos en el website arriba de terradollclothes.com.

 

Dorinda Dutcher – Bozeman, Montana y Bolivia – PAZA

Yo empecé a trabajar con las tejedoras de Independencia, Bolivia, en 2007 como un Proyecto de Asociación de Cuerpo de Paz. Desde el principio de la Pandemia, he estado en contacto con ellas cada semana por una llamada con video de WhatsApp. Se puede leer sobre el progreso e impacto de la COVID 19 en marzo en este blog: https://pazaboliviablog.com/2020/04/03/quarantine-in-independencia/

Al fin del blog hay un hipervínculo a un video en YouTube hecho por una motociclista aventurera que pasó por Independencia. Yo vi la gente de mis tiendas favoritas, la dueña de quien alquilo la casa donde vivo, y Doña Máxima y su esposo. Vi unos episodios más adelante y como el virus y las cerraduras afectaron su recorrido. En fin ella quedó en una aldea del altiplano de Perú por 15 días, y por ser una extranjera recibió la atención de la policía y los médicos. Desafortunadamente, después eso pasaron rumores peligrosos como que ella trajo el virus a la comunidad, rumores que volaron rápido por Facebook. (Nota de DC: lastimosamente, esto es demasiado común ahora, miedo de “otros” que convierte el comportamiento en peligroso en muchos lugares.)

 

Ella Goodine-Richardson – Nueva York – Veteranos Grupos

Justo antes de la Pandemia y las medidas que tomaron la ciudad como tormenta, yo estuve diseñando y fabricando más que 100 disfraces para cuatro grupos de veteranos prominentes en la gran manzana: Veteranos Para la Paz, Capítulo 034, Veteranos de Vietnam Contra la Guerra, La Brigada de Abraham Lincoln, y El Consejo de Veteranos de Paz del Metro Nueva York. Este proyecto estaba parte de una misión más grande de invitar veteranos de todos los Estados Unidos para participar en varias manifestaciones en contra la guerra con mis disfraces, rótulos, y títeres de tela.

Los meses de marzo y abril iban a ser el tiempo de recaudar fondos para apoyar este proyecto. He estado corriendo contra el reloj solicitando becas, etc., pero la competencia es enorme ahora debido a las circunstancias de tantos artistas y artesanos. Me gustaría mucho pedir apoyo ahora para la continuación del proyecto. Con el apoyo, podría compartir las historias de los veteranos por mis medios sociales, e influenciar comunidades por todo EEUU. ¡Ahora más que nunca la comunidad global necesita oír sobre la guerra y las posibilidades de paz!

http://www.ellagoodinerichardson.com/

 

Dot Strasser – Portland, Oregon – Footsteps to Recovery

El programa Huellas Para Recuperación trabaja con veteranos con enfermedades mentales severas como esquizofrenia, bipolar, PTSD (pos-traumático estrés), y depresión mayor. Los beneficios de nuestro programa con fibras son relacionados con cada veterano trabajando con su propia creación como parte de un proyecto más grande sobre el que ellos pueden sentirse orgullosos colectivamente.

Cada veterano escoge sus propias fibras y diseños, escogiendo las texturas y los colores que le atraen. Los hilos están donados por las tejedoras en Ruthie’s Weaving Studio (Estudio de Tejer de Ruthie) acá en Portland, e incluye todo tipo de fibras naturales, como lana de oveja hilada a mano, linos, y cintas de lana de oveja listas para hilar o usar como trama (roving). Tener un tiempo y espacio fijo para crear ayuda los participantes a poner estructura en su día, conectar con amigos, dar y recibir retroalimentación positiva, y simplemente disfrutar las fibras naturales, para tocar y trabajar.

Mi último día de trabajo con los veteranos en una de las clínicas fue 13 de marzo. Hemos estado tejiendo mandalas de hilo usando discos compactos, portavasos, y las orillas de ruedas de bicicletas, con el plan de montar una exhibición en la entrada al fin de abril. ¡Por supuesto todo esto cambió, pero no antes de que yo pudiera preparar unos kits de materiales para tejer en casa!

 

Nancy Liebrecht – Fries, Virginia – Blue Ridge Fiber Fest

La producción de textiles tiene raíces profundas en esta área. Hasta los años 1930s eran mujeres tejiendo cubrecamas de overshot en telares de pie hecho en casa. Hacer quilts todavía es muy popular. Sobre me cama tengo un quilt hecho acá, que ha ganado premios, el que probablemente debería estar bien guardado en algún lugar pero me gusta verlo cada día. Producción comercial era una fuerza de la economía local hasta recientemente.

Yo soy parte de un grupo pequeño de mujeres jubiladas quienes tenemos la idea loca que podemos usar las tradiciones regionales de textiles para generar un aumento de la economía acá. Hemos pensado en varias ideas, intentado con unas, pero la que ha tenido más éxito es el Festival de Fibras de La Sierra Azul. El primero, hace dos años, sorprendió a todos, incluyendo a nosotras. Más o menos 1,300 personas llegaron al pueblo de Sparta, Carolina del Norte. El único hotel en el pueblo llenó, y en los restaurantes acabaron la comida.

Fuimos felices anticipando otro festival excelente en junio de este año, pero como todos los eventos, nuestro ha sido cancelado. Pero no hemos dado por vencidas. Vamos a intentar hacer una serie de eventos más pequeños en los meses del verano. Esto ayudará nuestros vendedores y maestras, quienes ahora han perdido la mitad de sus ingresos por un año, y podría ayudar a las empresas locales a sobrevivir mejor también.

 

Vanina Bujalter – Buenos Aires, Argentina – Artist

Las ferias de artesanía están cerradas, entonces aprovechamos el tiempo para hacer más piezas. Todavía estamos preocupados por nuestro futuro, sin turismo, sin ingresos. Vamos a ver.

¿Cómo será nuestro futuro como artesanos? Ya hoy estamos parados con nuestro trabajo, y no se ve un panorama muy alentador. Cualquier idea que yo creo que pueda aportar por supuesto te lo haré saber.

 

Adrienne Sloane, Watertown, Mass. – Artist

Acá es la única cosa que puedo pensar en hacer en cuarentena que va a ayudar en estos tiempos surreales.

DC: ¿A quiénes está dándolos?

Amigos y familiares y otros como asilos de ancianos. Tal vez después voy a progresar a www.weneedmasks.com (nosotros necesitamos mascaras.com) Es la única cosa que tiene sentido para mí, y ha ayudado a mantener mi sanidad mental…aunque tal vez esto está empezando a deshilacharse en las orillas un poco.

(Nota de DC: incluí esto porque la idea ha entrado muchos grupos de artesanos en varios países. Grupos con destrezas de confección han cambiado su foco a hacer mascarillas, para ventas locales e internacionales, llenando una gran necesidad y logrando trabajar. Buen idea.)

By Dr. Paul Zolbrod

NOTA: puede ver la historia en español abajo del inglés.

The appropriation of Native American resources is a tricky issue, with wider cultural implications than just taking possession of something not one’s own.  Yes, there has been plenty of that.  Just look at a map to see what little sovereign tribal U.S. land remains.  Other examples prevail as well.  Nazi Germany’s appropriation of the swastika as a fascist insignia comes immediately to mind, virtually disallowing Navajo weavers to use it thereafter to signify an exquisitely conceived vision ignored by European interlopers intent on spreading their own world view.

I came to appreciate that vision on its own terms during years of concerted research and careful study to craft Diné bahane’: The Navajo Creation Story – not just as ethnographic data, but as an intricate mythic cycle praiseworthy for its unique epic scope. And for how it informed material culture.  I wanted to show that along with other tribes, the people who call themselves Diné deserve a place in American literary history, not just as “savages” who produced “primitive” art, but as sovereign peoples with storytelling heritage.  Such traditions go back centuries before European appropriators elbowed across North America without imagining what its original occupants might have held sacred.  Not in some untamed “wilderness” but in an environment they celebrated for its inherent beauty, balance, and harmony – what Navajos call hozhoon, a concept yet to be duly recognized in a world now at risk thanks to commercial and technological overuse.

In accepting that challenge, I sought approval from Navajo elders.  I hoped to fashion an English version, I explained, of how the world as they knew it was forged by pre-human prototypes Altsé asdzáá the First Man, and First Woman Altsé asdzáá;  how they were assisted by Dyin dine’é–a consortium of gods and animals best identified in English as “Holy People”; how the Warrior Twins, Naayéé neizgháni the Monster Slayer, and Born For Water, or Tó bájísh chiní, secured that world suitably for humans to occupy and maintain it; how Asdzáán nadleehé the Changing Woman and The Sun Jóhaa’éé’é, agreed to live together in harmony to assure that the seasons would pass each in its turn so that life would go on.

It’s a grand story, full of pathos and humor, with a subtle understanding of male-female dynamics as a key to thorough ecological understanding.  I could use it as a case study, I suggested, to demonstrate that traditional Native thought thrives on home-grown cultural depth and artistic expression. Something like that can’t be appropriated like land, like artifacts sequestered in museums or sold in art galleries, like pawn resold at inflated prices, or like children herded into boarding schools and forced to adopt alien ways.  Alternatively, their origin story should endure as nothing less than an ongoing tribute to full environmental plentitude: to Mother Earth and Father Sky in full harmony with all that can be observed on earth and in the heavens as a grand living cosmos.   It is thinking mirrored in other indigenous creation stories like those of the Mayans or the Iroquois, all awaiting broad recognition.

After six months of being canvassed the elders accepted my appeal and encouraged me to proceed.  Too many of our young people are losing sight of our own story, they reasoned.  Too few once schooled in the dominant culture have been exposed to that intricate narrative cycle, with its enduring wisdom subtly reflected in handcrafted textiles, jewelry, clothing, paintings, or sculpture.  Some of them regretted having that vaunted cycle converted to print from the old oral or ceremonial storytelling ways.  But in unison they recognized that once committed to a book, it could be taught in schools, made available in public libraries, and written down, not lost.   It could circulate beyond the Navajo community, where its beauty and wisdom might spread – a special objective I embraced in assembling the version I was fortunate enough to complete.

“This story is not mine,” I now remind those who read it.  “It comes to me as a borrowed gift that belongs to the Navajos as an expression of a centuries-old collective genius to be widely shared and better understood.” To younger generations of Navajo students I taught at the branch campus of the Navajo Nation’s Diné College in reciprocation for that opportunity, I repeated, “Don’t just read this version; ask your grandparents to tell you more, and pass along that, too, to your own children and grandchildren.”  For readers in general these words will remain fixed in a book, from which they can circulate far afield and into the future.

Either way, such a story cannot be appropriated the way land was taken, any more than the beauty residing in a Navajo rug can be appropriated, whether sequestered in a museum or sold in the marketplace at an inflated price. Once a given tribe’s stories accompany artifacts, appropriation declines and knowledge increases. True, put in print for sale, books themselves become possessions.  But the printed page – or naltsoos, as Navajos call it – preserves centuries of wisdom once passed on orally and ceremonially.  Those who seek to publish such teachings as I did, as a non-native, do so for that reason, then find a way to reciprocate, either by sending the earnings back to the mother tribe, or  teaching others on-Reservation or off, as I did.

Appropriation is one thing; shared knowledge is another.  Need an example?  Read Nancy Mattina’s triumphant biography of Gladys Reichard, Uncommon Anthropologist, recently published by the University of Oklahoma Press. It tells the long-overlooked story of a Pennsylvania woman’s rise in the early 1900’s from small-town, working-class roots to world prominence as an anthropologist whose bold approach to linguistics resulted in a redefinition of Native American ethnology.   For half of the twentieth century she divided her life between summers joining Navajos in their everyday lives in White Sands, Arizona, and school years as a dedicated Bernard College anthropology professor in New York City. On the Reservation she learned to weave and participated actively in an elaborate ceremonial system, where she mastered its storied background.  On campus she remained a dedicated teacher imparting her knowledge with rare open-mindedness at a time when her colleagues thought themselves experts on primitive cultures awaiting civilized uplift.

All that she wrote and taught can be encapsulated in this quote of hers Nancy shares:  “The Navajo believes that only by keeping himself (sic) in complete harmony with all things with which he’s acquainted, both material and spiritual, can he expect to succeed in his earthly undertakings. . . .  The ideal of his worldly and even other-worldly relationships is to ‘be at one with them.’” (168-9). For me, that assertion is embodied in Diné bahane’, and similar myth-like creation cycles produced by other tribes as veritable Scriptures, emblematic of all the teachings to be acquired from the broader Native American community – not to be appropriated for possession, but out of respect and our ongoing need to learn to live together with mother nature as well as one another in a fragile global environment.

 

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Apropiación Cultural – Desde Afuera Mirando Hacia Adentro

Autor: Dr. Paul Zolbrod

La apropiacón de los recursos indígenas es un problema complicado, con implicaciones más profundas que solo tomar posesión de algo que no es suyo. Sí, ha habido bastante de eso, solo se necesita ver un mapa de terreno de las tribus en los Estados Unidos para entenderlo. Hay otros ejemplos también. Viene a la mente como los Nazis de Alemania tomaron el uso de la esvástica como símbolo de los fascistas, virtualmente terminando su uso por las tejedoras navajo, quienes lo usaron antes para representar una visión exquisita ignorado por los invasores europeos quienes quisieron difundir su propia visión del mundo.

Yo llegué a apreciar esa visión por su propio contenido en los años de investigación concentrada que hice en preparación de construir Diné bahane’: La Historia de Creación Navajo – no solamente como datos etnográficos, pero como un ciclo mítico y valioso por su alcance épico y único. También por como informó la cultura material. Quise mostrar que todas las tribus merecen un lugar en la historia literaria de América, no como “salvajes” quienes produjeron arte primitivo, pero como pueblos soberanos con un patrimonio valioso de historias. Dichas tradiciones son de siglos antes que los apropiadores europeos les dieran un codazo cruzando América del Norte sin imaginar cuales cosas sagradas tenían los ocupantes originarios. No era un territorio salvaje, sino un ambiente celebrado por su hermosura, balance, y harmonía, lo que los navajo llaman hozhoon, un concepto todavía no bien reconocido en un mundo en riesgo gracias al sobre-uso comercial y tecnológico.

En mis preparaciones para este desafío, primero pedí aprobación de los ancianos respetados de los navajo. Expliqué que mi idea era crear una versión en inglés que mostrara como el mundo era creado por prototipos pre-humanos El Primer Hombre Altsé asdzáá, y La Primera Mujer Altsé asdzáá; la ayuda que ellos recibieron de Dyin dine’é – un consorcio de dioses y animales mejor identificados en inglés como “Gente Sagraao”; como los Gemelos Guerreros, Naayéé neizgháni el Conquistador de Monstruos, y Tó bájísh chiní, Nacido por Agua, hicieron seguro el mundo para ser ocupado y mantenido por los seres humanos; como La Mujer Cambiante Asdzáán nadleehé y El Sol Jóhaa’éé’é, convinieron en vivir juntos en harmonía para asegurar que los tiempos siempre pasarán ordenadamente y la vida continuara.

Es una historia magnífica, llena de recursos emocionales y humor, con un entendimiento sutil de las dinámicas entre hombres y mujeres como clave de la comprensión ecológica completa. Yo podría usarlo como un caso de estudio, les sugerí, para mostrar que los pensamientos indígenas tradicionales prosperan con la expresión artística y profundidad cultural nativa. Algo como eso no puede ser apropiado como un terreno o los objetos secuestrados en museos o vendidos en galerías de arte, como piezas empeñadas revendidas a precios bien inflados, o como niños forzados a internados donde tienen que adoptar maneras extrañas. Alternativamente, sus historias de origen deben sobrevivir nada menos que como tributo continuo a la plenitud ambiental: a Madre Tierra y Padre Cielo en harmonía completa con todo que se puede observar en la tierra y en el cielo como un gran cosmos vivo. Es una manera de pensar que se refleja en otras historias de creación indígena como la de los maya o los iroqués, todos esperando un reconocimiento amplio.

Después seis meses de preguntas y conversaciones, los ancianos aceptaron mi pedido y me dieron ánimo para seguir. Demasiados de nuestros jóvenes están perdiendo nuestra historia, ellos pensaban. Solo pocos educados en la cultura dominante ahora están expuestos al intricado ciclo narrativo, con su sabiduría de los tiempos reflejada en la artesanía como tejidos, joyería, traje, pinturas, o escultura. Algunos de los ancianos lamentaban tener el ciclo de las prácticas viejas orales o ceremoniales convertido a palabras impresas. Pero todos eran unidos reconociendo que en un libro podría ser enseñado en las escuelas, estar disponible en bibliotecas públicas, y ser escrito, no perdido. Podría circular más allá de la comunidad navajo, donde su belleza y sabiduría podría difundirse – un objetivo especial que yo abracé en montar la versión que tenía la gran fortuna de cumplir.

 “Esta historia no es mía,” les recuerdo a todos que la lean. “Viene a mí como un regalo prestado de los navajos como una expresión del genio colectivo de siglos para compartir con todos y entenderla mejor.” A las generaciones de estudiantes navajo más jóvenes que enseñé en el campus satélite del Universidad Diné de la Nación Navajo a cambio de esta oportunidad, repetí, “No solo lean esta versión; pidan a sus abuelos que les cuentan más, y también compartan eso a sus propios niños y nietos.” Para los lectores en general, estas palabras van a quedar fijas en el libro, del cual pueden circular más allá y hacia el futuro.

En cualquier manera que la use, una historia como esta no puede ser apropiada en la misma forma que un terreno era robado, no más que la belleza que reside en una alfombra navajo puede ser apropiada, aun secuestrada en un museo o vendida en el mercado con un precio inflado. En el momento que las historias de una tribu acompañan los objetos, la apropiación disminuye y el conocimiento aumenta. Es verdad que una vez impresos y vendidos, los libros se convierten en posesiones. Pero la página impresa – o naltsoos, como dicen los navajo – conserva siglos de sabiduría antes compartida en maneras orales y ceremoniales. Aquellos que publican las enseñanzas como yo lo hice, como no-navajo, lo hacen por esta razón, y entonces encuentran una manera para corresponder, a veces mandando las ganancias del libro a la tribu, o enseñando a otros de la Reservación o afuera, como yo lo hice.

Apropiación es una cosa; conocimiento compartido es otra. ¿Necesita un ejemplo? Lea la biografía triunfante de Nancy Mattina sobre Gladys Reichard, Uncommon Anthropologist (Antropóloga No Común), un libro reciénte de la University of Oklahoma Press. Comparte la historia pasada por alto de la ascendencia de una mujer de Pennsylvania con raíces de clase de trabajadora de un pueblo pequeño, a ser una antropóloga de prominencia mundial cuyo enfoque audaz a lingüística resultó en redefinir la etnología indígena. Por mitad del siglo XX ella dividió su vida entre su trabajo como profesora de antropología en Bernard College en la Ciudad de Nueva York y sus meses libre con los navajo en sus vidas cotidianas en Arenas Blancas, Arizona. Viviendo en la Reservación ella aprendió a tejer y participó activamente en un elaborado sistema ceremonial, donde ella dominó su fondo histórico. En sus clases ella siguió como maestra dedicada, pasando su conocimiento con una mente abierta que era raro en una época en que sus colegas pensaban que ellos eran los expertos sobre culturas primitivas esperando salvación de la gente civilizada. Todo lo que ella escribió y enseño puede ser encapsulado en esta cita del libro: “Los navajo creen que sólo manteniéndose a si mismo en harmonía completa con todo lo que él está familiarizado, los dos material y espiritual, puede esperar tener éxitos en sus labores en esta vida… El ideal de sus relaciones de este mundo y otros mundos es estar en comunión con ellas, o sea ser uno con ellas. (páginas 168-9)

Par mí, esa afirmación es clave con Diné bahane’ y ciclos de creación similares producidos por otras tribus como obras sagradas, emblemáticas de todas las enseñanzas de la comunidad más amplia de los nativos de América – no apropiada para poseer, pero por respeto y nuestra necesidad de aprender a vivir juntos con la naturaleza tanto como nosotros mismos en un ambiente global frágil.

 

By Deborah Chandler

Recently I have had the pleasure of reading two books about the Navajo, one written by a non-Navajo, the other by a Navajo. As WARP members know, the subject of cultural appropriation is a hot topic these days, as indigenous groups struggle to maintain control over their own creations and even designs. One extreme view I read said that outsiders should not even write about indigenous cultures, that in itself being appropriation. Being a writer who has done just that, I take this concern seriously. And so it occurred to me that having the authors of the two books I just read share their thoughts on the issue could be a good contribution to the conversation. Fortunately, they both agreed.

First is Dr. Paul Zolbrod, born in Pittsburgh but who has lived on and/or near the Navajo Nation for decades. Paul spent years researching and translating a written version of the Navajo creation story into English, which was published in 1984 by the University of New Mexico Press as Diné bahane’ – The Navajo Creation Story, and has become the classic version in English. He also wrote Weaving a World – Textiles and the Navajo Way of Seeing, about the Navajo rug collection at the Museum of New Mexico, which tells the story of the rugs according to the elders he invited in to share their ideas. Not surprisingly, critics of Diné bahane’ have spoken up over the years. Paul’s take on the issue – looking from the outside in – will be the WARP blog in April, tomorrow.

Second, the WARP blog in May will be contributed by Lynda Teller Pete, a Navajo woman who, along with her sister Barbara Teller Ornelas, has written two books published by Thrums Books, Spider Woman’s Children – Navajo Weavers Today in 2018, and How to Weave a Navajo Rug and Other Lessons From Spider Woman, to come out later in 2020. As a weaver and teacher Lynda has lived with the cultural appropriation issue for a very long time, and is also willing to share her vision – from the inside out.

Thank you to both.

Deborah Chandler

 

 

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Dos Ensayos sobre Apropiación Cultural

NOTA: puede ver la historia en español abajo del inglés.

En tiempos recientes, he tenido el placer de leer dos libros sobre los navajo, uno escrito por alguien quien no es navajo, el otro por un navajo, o sea diné. Como los miembros de WARP saben, el tema de apropiación cultural es un tópico importante, mientras los grupos indígenas de todo el mundo luchan por mantener control sobre sus propias creaciones y sus diseños. Un punto de vista extremo considera que escribir sobre una cultura, si el escritor no es parte de ella, es apropiación. Como una escritora quien ha hecho eso, yo tomo esta idea en serio. Entonces, se me ocurrió que tener unas palabras de los dos autores de los libros que yo leí, compartiendo sus pensamientos sobre el tema, sería una contribución interesante a la conversación. Afortunadamente, los dos estuvieron de acuerdo.

Primero vamos a escuchar al Dr. Paul Zolbrod, nacido en Pittsburgh, Pennsylvania, pero quien ha vivido cerca la Reservación Navajo por décadas.  Paul invirtió años investigando y traduciendo una edición de la historia de la creación de los navajo de diné al inglés, publicada en 1984 por la Editora de la Universidad de Nuevo México que se llama Diné bahane’ – La Historia Navajo de la Creación, un libro que llegó a ser la versión más conocida y usada en inglés. También escribió Tejiendo un Mundo – Textiles y la Manera de Ver de los Navajo, acerca de la colección de alfombras navajo en el Museo de Nuevo México. El libro cuenta las historias de las alfombras de acuerdo a los ancianos y ancianas, tejedoras o esposos de las tejedoras. No es una sorpresa que Diné bahane’ ha tenido sus críticas sobre los años, inspirando y amplificando los pensamientos de Paul. Para nosotros él va a compartir sus ideas en abril, viendo el tema desde afuera hacia adentro.

Segundo, el blog de WARP en mayo será una contribución de Lynda Teller Pete, una mujer navajo quien, con su hermana Barbara Teller Ornelas, ha escrito dos libros publicados por Thrums Books: Los hijos de Mujer Araña – Tejedoras Navajo Hoy en Día en 2018, y Como Tejer una Alfombra Navajo y Otras Lecciones de Mujer Araña, que va a aparecer más tarde en 2020. Como tejedora y maestra de tejidos, Lynda ha vivido con el tema de apropiación cultural por mucho tiempo, y también está dispuesto a compartir su visión – desde el interior mirando hacia afuera.

Gracias a los dos.

Deborah Chandler